引言：理解“双新”背景与艺术教育的使命

“双新”背景，即新课程标准（新课标）和新教材的全面实施，标志着我国基础教育进入了以核心素养为导向的深度改革阶段。在这一背景下，艺术教育（包括音乐、美术、舞蹈、戏剧等）不再仅仅是技能的传授或简单的审美欣赏，而是被赋予了培养学生创造力与审美力的核心使命。传统的艺术课堂常常陷入“教师示范-学生模仿”的单一模式，课堂氛围沉闷，学生被动接受，难以真正激发内在的艺术潜能。本文将从理念更新、教学设计、课堂实践、评价改革等多个维度，结合具体案例，深入探讨如何让艺术课堂真正“活”起来，成为学生创造力与审美力生长的沃土。

一、理念先行：从“教艺术”到“育素养”的转变

要让课堂活起来，首先需要教师的教育理念发生根本性转变。

1.1 核心素养导向

新课标明确提出了艺术学科的核心素养，包括审美感知、艺术表现、创意实践、文化理解。这四个素养相互关联，共同构成艺术学习的完整闭环。教师需将教学目标从单一的“画一幅画”或“唱一首歌”提升到“通过艺术活动培养何种素养”的高度。

举例说明： 在传统美术课《色彩的对比》中，目标可能是“学生能运用对比色完成一幅静物画”。而在素养导向下，目标应调整为：

  • 审美感知：学生能感知并描述生活中对比色带来的视觉冲击与情感体验。
  • 艺术表现：学生能运用对比色原理，有目的地进行画面色彩设计与表现。
  • 创意实践：学生能尝试打破常规，用非传统材料（如废旧布料、自然物）表现色彩对比。
  • 文化理解：学生能了解不同文化中对比色的象征意义（如中国红与白的喜庆与哀悼）。

1.2 以学生为中心

课堂的“活”源于学生的主动参与。教师需从“知识的权威”转变为“学习的引导者、协作者和资源提供者”。这意味着要相信学生的潜力，给予他们探索、试错和表达的空间。

实践建议：

  • 课前调研：通过问卷或访谈了解学生对即将学习主题的兴趣点和已有经验。
  • 共同制定规则：与学生一起商定课堂活动规则，如“尊重他人作品”、“大胆尝试，不怕出错”。
  • 角色轮换：在小组活动中，让学生轮流担任组长、记录员、发言人等角色。

二、教学设计：构建开放、多元、探究式的课堂结构

一个“活”的课堂，其结构必须是开放的，能够容纳生成性的学习过程。

2.1 项目式学习（PBL）在艺术课堂的应用

PBL以真实、复杂的问题为驱动，学生通过持续的探究和协作来解决问题，最终产出具有实际意义的作品。这能极大地激发学生的创造力和解决问题的能力。

案例：初中美术“校园公共艺术设计”项目

  • 驱动性问题：如何为我们学校设计一件能体现校园文化、鼓励学生互动的公共艺术品？
  • 探究过程：
    1. 调研：学生分组调研校园空间、师生需求、现有公共艺术案例。
    2. 头脑风暴：运用思维导图、草图等方式，提出多种设计方案。
    3. 方案深化：选择最优方案，进行材料、尺寸、工艺的详细规划。
    4. 制作与展示：利用综合材料（如黏土、木材、回收塑料）制作模型，并举办方案发布会。
  • 素养培养：整个过程融合了审美感知（空间与形式美）、艺术表现（设计与制作）、创意实践（解决实际问题）、文化理解（校园文化）。

2.2 跨学科融合

艺术与其他学科的融合能打破学科壁垒，为学生提供更广阔的思维视角。

案例：小学音乐与语文的融合课《古诗中的音乐》

  • 主题：选择一首意境优美的古诗（如《春晓》）。
  • 活动设计：
    1. 诵读与感知：学生有感情地诵读古诗，体会其节奏、韵律和意境。
    2. 声音探索：用身体打击乐（拍手、跺脚、捻指）或简单乐器（沙锤、铃鼓）为古诗创造节奏型。
    3. 旋律创作：根据古诗的平仄和情感，用“啦”或“啊”哼唱简单的旋律。
    4. 综合表现：小组合作，将诵读、节奏、旋律整合成一个简短的音乐小品进行表演。
  • 素养培养：学生不仅学习了音乐知识，更深化了对古诗的理解，同时锻炼了创意编排和合作表现能力。

2.3 利用现代技术赋能

数字技术为艺术课堂带来了前所未有的可能性，能有效激发学生的兴趣和创造力。

工具与应用举例：

  • 数字绘画与设计：使用Procreate、Clip Studio Paint等软件，学生可以尝试传统绘画难以实现的效果（如无限撤销、图层叠加、特殊笔刷），并学习基础的平面设计。
  • 音乐创作软件：使用GarageBand、FL Studio等，学生可以轻松编曲、录制人声、添加音效，创作属于自己的音乐。
  • AR/VR艺术体验：通过AR应用，学生可以“走进”名画（如《清明上河图》），观察细节；或通过VR设备，体验虚拟雕塑创作。
  • 编程与艺术结合：使用Processing或p5.js等创意编程工具，学生可以编写代码生成动态艺术图形（如分形、粒子系统），理解算法美学。

代码示例（p5.js 创意编程入门）： 以下是一个简单的p5.js代码，用于生成随机变化的彩色圆圈，帮助学生理解“程序生成艺术”的概念。

function setup() {
  createCanvas(600, 400); // 创建画布
  background(240); // 设置背景色
  noStroke(); // 无边框
}

function draw() {
  // 随机生成位置、大小和颜色
  let x = random(width);
  let y = random(height);
  let size = random(10, 50);
  let r = random(255);
  let g = random(255);
  let b = random(255);
  let alpha = random(50, 200); // 随机透明度
  
  // 绘制半透明圆圈
  fill(r, g, b, alpha);
  ellipse(x, y, size, size);
  
  // 限制绘制数量，避免画布过满
  if (frameCount > 200) {
    noLoop(); // 停止draw循环
  }
}

教学说明：教师可以引导学生修改代码中的参数（如颜色范围、形状、透明度），观察效果变化，进而鼓励他们尝试绘制其他形状（如矩形、三角形）或添加交互（如鼠标点击生成新图形）。这不仅是艺术创作，更是逻辑思维与审美判断的结合。

三、课堂实践：营造安全、自由、充满惊喜的学习氛围

理念和设计最终要通过课堂实践落地。一个“活”的课堂，氛围至关重要。

3.1 创设“无错”环境

创造力的天敌是恐惧和评判。教师要明确告诉学生：“在我们的艺术课堂上，没有错误，只有不同的尝试和发现。” 对于学生的作品，避免简单的“好”或“不好”的评价，而是用描述性语言反馈。

反馈话术示例：

  • 不说：“你画得真像！”（这可能固化模仿）
  • 改为：“我注意到你用了很强烈的红色和黄色，这让我感受到了热烈的情绪。你是如何想到这样搭配的？”（引导学生反思创作过程）
  • 不说：“这个颜色不对。”
  • 改为：“如果尝试用蓝色来平衡这个红色，你觉得画面会发生什么变化？”（提供探索方向）

3.2 引入“游戏化”元素

游戏化能将学习任务转化为有趣的挑战，提升参与度。

案例：音乐课“节奏接龙”游戏

  • 规则：教师拍一个节奏型（如“X X | X X X”），学生A模仿并增加一个新节奏，学生B模仿前两个节奏并再增加一个，以此类推。
  • 变式：可以加入身体动作、声音模仿（动物叫声、交通工具声）或使用乐器。
  • 目的：在轻松的游戏中训练节奏感、听力和即兴创作能力。

3.3 鼓励“过程性”展示与分享

将课堂的一部分时间固定为“灵感分享会”或“工作坊漫步”，让学生展示创作过程中的草图、半成品、失败尝试，并讲述背后的故事和思考。

操作流程：

  1. 个人静默创作（10-15分钟）。
  2. 小组内分享（5分钟）：每人用1分钟介绍自己的进展和遇到的困难。
  3. 全班“画廊漫步”（10分钟）：学生将作品贴在墙上，大家自由走动观看，用便利贴写下“我欣赏的一点”和“一个好奇的问题”。
  4. 集体讨论（5分钟）：教师引导学生分享便利贴上的内容，聚焦于“我们从彼此的作品中学到了什么”。

四、评价改革：从结果评判到过程与成长的见证

评价是指挥棒。要激发创造力和审美力，评价必须从单一的、终结性的作品评分，转向多元的、过程性的素养评价。

4.1 多元评价主体

  • 学生自评：使用“创作反思单”，引导学生回顾自己的学习过程、遇到的挑战、使用的策略和最终的收获。
  • 同伴互评：在小组合作或作品展示后，进行结构化的互评，聚焦于“优点”和“建议”。
  • 教师评价：教师作为观察者和引导者，记录学生在课堂上的参与度、思维过程、合作表现等，而不仅仅是最终作品。

4.2 过程性档案袋评价

为每个学生建立“艺术成长档案袋”，收集能反映其学习过程和进步的证据。

档案袋内容建议：

  • 最佳作品：学生自己选择最满意的作品。
  • 过程记录：草图、设计稿、修改前后的对比。
  • 反思日志：对每次重要活动的简短反思。
  • 学习证据：课堂笔记、调研资料、小组讨论记录。
  • 创意火花：随时记录的灵感、想法、问题。

评价标准示例（以“创意实践”素养为例）：

评价维度 优秀（4分） 良好（3分） 合格（2分） 待改进（1分）
想法的独特性 能提出新颖、独特的想法，突破常规思维。 能提出有个人特色的想法。 想法较为常见，但能完成任务。 想法缺乏新意，依赖模仿。
解决问题的策略 能灵活运用多种材料和方法解决问题，策略有效。 能运用所学方法解决问题。 能在指导下运用方法解决问题。 缺乏解决问题的策略。
作品的完成度与表现力 作品完整，能有效表达创意，表现力强。 作品完整，能表达创意。 作品基本完成，创意表达不充分。 作品不完整，创意表达模糊。

4.3 关注“增值”评价

评价不仅看学生当前的水平，更要看其相对于自身起点的进步。教师可以对比学生档案袋中不同时间的作品和反思，发现其思维、技能和审美感知的成长轨迹。

五、教师角色与专业发展：成为课堂的“催化剂”

教师是课堂能否“活”起来的关键。在“双新”背景下，教师需要持续学习和自我更新。

5.1 教师作为学习者

教师应主动学习新的艺术形式、技术工具和教学方法。例如，参加数字艺术工作坊、学习一门新的乐器或舞蹈、阅读跨学科教育的前沿文献。

5.2 教师作为课程开发者

教师需要根据本地资源和学生特点，对教材进行二次开发，设计校本化的艺术课程。例如，结合本地非遗文化（如剪纸、皮影戏）开发特色课程。

5.3 教师作为反思性实践者

通过撰写教学日志、参与教研组讨论、录制自己的课堂视频进行分析等方式，不断反思和改进自己的教学实践。

结语：让艺术课堂成为生命成长的舞台

在“双新”背景下，让艺术课堂真正“活”起来，是一场从理念到实践的深刻变革。它要求我们摒弃功利化的技能训练，回归艺术教育的本质——滋养心灵、激发创造、提升审美。通过构建以素养为导向的教学设计，营造安全自由的课堂氛围，实施多元过程的评价体系，以及教师自身的专业成长，我们能够将艺术课堂打造成一个充满活力、惊喜和无限可能的学习场域。在这里，每个学生都能勇敢地表达自我，发现美、创造美，最终让创造力与审美力成为伴随其一生的宝贵财富。这不仅是艺术教育的成功，更是“双新”改革所期待的育人图景的生动体现。