人体写生是美术学院油画系的核心课程之一，它不仅是训练学生造型能力、观察能力和表现能力的重要手段，更是通往艺术创作自由的必经之路。通过直接面对活生生的人体模特进行描绘，学生能够深入理解人体解剖结构、动态韵律以及光影变化，从而在二维平面上塑造出具有体积感和生命力的艺术形象。
本文将详细解析美术学院油画系人体写生课程的典型安排，并针对初学者及进阶学习者常遇到的困惑进行深入解答，旨在为油画专业的学生和艺术爱好者提供一份实用且全面的学习指南。
一、 人体写生课程的系统安排
美术学院的人体写生课程通常不是孤立存在的，而是整个油画教学体系中的重要环节。课程安排遵循由浅入深、由简入繁的教学逻辑，通常分为以下几个阶段：
1. 基础阶段：解剖与结构认知（预备课程）
在正式拿起画笔面对人体模特之前，扎实的解剖学知识是必不可少的。这一阶段通常在人体写生课之前或同步进行。
- 教学目标：让学生掌握人体的基本骨骼和肌肉结构，理解人体的比例关系（如头身比）和运动规律。
- 课程内容：
- 骨骼系统：重点学习头骨、脊柱、骨盆、四肢长骨的形态及其连接方式。
- 肌肉系统：重点学习浅层肌肉的起止点、形状和在运动中的变化，如胸锁乳突肌、斜方肌、胸大肌、腹直肌、背阔肌、臀大肌、股四头肌等。
- 动态分析：学习“一竖、二横、三体积、四肢”的体块概括法，理解人体在重心变化下的平衡与韵律。
- 练习方式：临摹经典解剖图谱、绘制骨骼和肌肉模型、进行人体动态速写。
2. 初级阶段：短期静态写生（结构与动态）
这一阶段是学生首次接触真人模特，重点在于快速捕捉对象的基本形态和动态特征，忽略繁琐的细节。
- 教学目标：训练敏锐的观察能力，快速抓取人体的大比例、大动态和基本结构。
- 课程安排：
- 时长：通常为15分钟至30分钟的短期作业。
- 模特姿势：以简单、稳定、重心明确的姿势为主，如站立、坐姿，避免过于复杂的扭转。
- 表现手法：使用木炭条或炭笔配合油画纸，或直接用油画颜料起稿。强调线条的概括性和体块的暗示。
- 核心训练：
- 长线概括：用连贯的线条捕捉脊柱的S形曲线和四肢的动态线。
- 几何体块化：将头部看作球体，胸腔看作倒梯形，骨盆看作正梯形，四肢看作圆柱体，快速建立画面的空间感。
3. 中级阶段：中期静态写生（光影与体积）
在掌握了基本结构和动态后，课程进入对光影和体积的深入研究。
- 教学目标：理解光源对形体的影响，通过明暗交界线、反光和投影来塑造坚实的人体体积感。
- 课程安排：
- 时长：通常为2小时至4小时的中长期作业。
- 模特姿势：姿势相对复杂，强调肌肉的伸展与收缩，如卧姿、倚靠姿等。
- 光源设置：通常采用单一强光源（如聚光灯），制造明确的明暗关系，便于学生理解。
- 核心训练：
- 三大面五大调：准确找出亮部、灰部、暗部、明暗交界线、反光和投影。
- 边缘线的虚实处理：理解受光面边缘线“实”、背光面边缘线“虚”的原则，使形体融入环境空间。
- 色彩塑造：开始引入色彩冷暖关系，如亮部偏暖、暗部偏冷（或反之，取决于环境色），用色彩冷暖对比来强化体积。
4. 高级阶段：长期作业与深入刻画
这是油画系人体课程的重头戏，通常持续数周甚至更长时间，旨在训练学生深入刻画和整体把控的能力。
- 教学目标：在准确造型和坚实体积的基础上，追求画面的丰富性、生动性和艺术表现力。
- 课程安排：
- 时长：每天4-6小时，持续1-3周。
- 模特姿势：复杂的、富有表现力的姿势，可能包含多个人物的组合。
- 环境：模特周围可能设置简单的背景和道具，增加画面的构图因素。
- 核心训练：
- 直接画法（Alla Prima）：在底色层上直接塑造，追求一次完成的生动感。
- 多层罩染法（Glazing）：利用油画的透明特性，通过多层薄色的叠加，创造丰富的色彩层次和微妙的质感。
- 整体与局部的辩证关系：在深入刻画细节（如皮肤的毛孔、血管、肌肉的微小起伏）的同时，始终保持画面的整体黑白灰关系和色彩关系的和谐。
5. 创作阶段：主观处理与风格探索
在课程的最后阶段，教师会鼓励学生在写生的基础上进行主观处理，融入个人情感和艺术观念。
- 教学目标：从“再现”走向“表现”，探索个人的艺术语言。
- 课程内容：
- 解构与重组：打破客观形态，根据画面形式美感的需要重新组织人体结构。
- 色彩的主观表达：使用非现实的、象征性的色彩来表达情绪。
- 综合材料的运用：在油画基础上结合丙烯、拼贴等其他材料，丰富画面效果。
二、 人体写生常见问题解析
在漫长的学习过程中，学生们会遇到各种各样的问题。以下是对一些典型问题的详细解析和解决方案。
问题1：起稿阶段总是“跑形”，比例和动态不准
问题分析： 这是初学者最常见的问题。原因主要有两点：一是观察方法错误，习惯于盯着局部看，忽略了整体；二是缺乏有效的起稿手段，直接从细节入手。
解决方案：
使用“比较法”观察：
- 眼与眼的距离 ≈ 鼻宽 ≈ 耳宽。在观察头部时，不断用这个标准去校对。
- 头与身的比例。用头的长度去衡量身体的长度（如站姿约为7.5个头长）。
- 动态线优先。先忽略所有细节，用长线概括出脊柱的走向、肩膀和骨盆的倾斜角度。
采用“剪影观察法”：
- 眯起眼睛，模糊细节，只看模特外轮廓的剪影形状。快速在画纸上定出最高点、最低点、最左点、最右点，连接这些点形成大的外框。
使用辅助线和负形：
- 辅助线：轻轻画出垂直线和水平线，检查身体各部分的倾斜角度和位置关系。
- 负形观察：观察模特形体与背景、模特肢体之间形成的“负形”（空隙形状）。如果负形画准了，正形（模特）自然就准了。
代码示例（逻辑说明）： 虽然绘画是视觉艺术，但我们可以用伪代码来描述这个正确的起稿逻辑：
def start_drawing():
# 错误的做法
# draw_details("eye") -> draw_details("nose") -> 发现比例全错
# 正确的做法
# 1. 观察整体
overall_shape = observe_silhouette(model)
dynamic_line = find_spine_curve(model)
# 2. 定位
canvas.set_bounding_box(overall_shape)
canvas.draw_long_line(dynamic_line)
# 3. 比例校对
head_length = measure_head(model)
check_proportion(body, head_length * 7.5)
# 4. 几何概括
draw_block("head", sphere)
draw_block("chest", trapezoid)
draw_block("pelvis", trapezoid)
draw_cylinders(limbs)
# 5. 确认无误后，才进入细节描绘
if structure.is_accurate():
add_details()
问题2：画面“灰”，形体缺乏体积感
问题分析： “灰”是指画面黑白灰关系不明确，暗部不够暗，亮部不够亮，导致形体看起来扁平。这通常是因为学生不敢大胆使用重颜色，或者对光影结构理解不深。
解决方案：
强化明暗交界线：
- 明暗交界线是形体转折最强烈的地方，也是体积感的核心。在起稿阶段，就要明确地找到并强调它。可以用较重的颜色或较硬的线条标示出来。
大胆压暗投影和明暗交界线：
- 投影和明暗交界线通常属于画面中最暗的色调（重色）。很多学生画的暗部只是一层浅浅的灰色。请大胆使用普蓝、深褐、象牙黑等颜色，调和出沉稳的重色块。
提亮高光：
- 高光是受光部最亮的点。在油画中，高光通常是最后点上去的纯白或极亮的暖色。高光的亮度要敢于超过周围亮部的亮度，形成强烈的对比。
制作色阶表（Value Scale）：
- 在调色板上或旁边画纸上，预先调出从纯白到纯黑的9个或11个色阶。在画某个局部时，问自己：“这个颜色处于哪个色阶？”这能帮助你更客观地判断颜色深浅。
问题3：色彩脏、粉、焦
问题分析： “脏”是颜色混合过多，色相不明确；“粉”是白色滥用，导致画面发灰、发闷；“焦”是过多使用暖褐色系，缺乏冷色对比，画面像烧焦了一样。
解决方案：
控制调色种类：
- 原则：调色时，颜色种类不宜超过3-4种。过多的颜色混合会产生“脏”的灰黑色。
- 练习：尝试用有限的颜色（如土黄、赭石、熟褐、群青、钛白）调出丰富的皮肤色。
理解皮肤色的冷暖关系：
- 皮肤色绝不是单一的肉色。它是一个冷暖交替的系统。
- 亮部：受光源影响，可能偏黄、偏橙（暖）。
- 暗部：受环境反光和血液影响，可能偏红、偏紫或偏蓝（冷）。
- 明暗交界线：通常是饱和度最高、最暖的颜色。
- 避免“粉”：在亮部加白时，要加入相应的固有色（如黄、红），保持纯度。暗部尽量少用或不用白色，用深色和冷色来表现透明度。
保持颜色的纯度：
- 在调色板上调色时，不要把颜色完全调匀，保留一些笔触的色彩并置。例如，画亮部时，笔尖一侧蘸亮色，另一侧蘸稍暗的颜色，画到纸上时会形成自然的色彩混合，生动且不脏。
问题4：皮肤质感表现不出“肉”的感觉
问题分析： 画出来的人体像木头、石膏或橡胶，缺乏皮肤的弹性和温润感。这是因为只关注了固有色和光影，忽略了皮肤的半透明特性和皮下结构。
解决方案：
利用“血管色”和“透光色”：
- 皮肤是半透明的，能看到皮下的血管和肌肉颜色。
- 在画暗部和反光时，可以隐约透出一些暖红色（血液色）或青紫色（血管色）。
- 在画受光的皮肤薄处（如耳垂、鼻尖、手肘内侧），可以透出底色（如红色底子）或加入微量的玫瑰红、朱红。
笔触的运用：
- 揉擦：用手指或软布轻轻揉擦亮部和灰部的过渡区域，可以制造皮肤细腻、柔和的质感。
- 干笔/枯笔：在受光强烈的骨点或肌肉紧绷处，用较干的颜料（少油或加增稠剂）扫出飞白，表现皮肤的张力和粗糙感。
- 厚堆：在高光处或形体凸起处，可以用较厚的颜料堆砌，模拟皮肤的厚度和弹性。
边缘线的虚实变化：
- 软边缘（Soft Edge）：在肌肉松弛、背光或处于空间深处的地方，边缘线要虚化、融合，这是表现“肉感”的关键。
- 硬边缘（Hard Edge）：在骨骼转折、受光强烈或形体紧绷处，边缘线要清晰、肯定。
问题5：如何处理长时间作业中的“画面僵硬”问题
问题分析： 长期作业中，学生容易陷入局部描摹，反复修改，导致画面失去最初的新鲜感和生动性，变得死板、僵硬。
解决方案：
分层推进，整体照顾：
- 不要画完一个局部再画另一个。应该像盖房子一样，第一遍铺色（底色层）照顾到整个画面，建立基本的黑白灰和色彩关系。
- 第二遍塑造（中间层）同时推进所有部位的体积，保持同步。
- 第三遍深入（表层）才开始刻画细节，但要随时退远看整体。
保留“第一遍”的生动性：
- 第一遍铺色往往是最生动、最概括的。在后续刻画中，要有意识地保留一些第一遍的笔触和色彩，不要全部覆盖。
利用“间歇期”：
- 当模特休息或课程结束时，不要停下来盯着画看。可以去临摹大师作品，或者画一些速写，换换脑子。回来再看画面时，往往能发现之前没注意到的问题。
三、 油画材料与技法小贴士
除了绘画技巧，材料的运用也直接影响最终效果。
媒介剂的使用：
- 松节油/无味矿物油：用于稀释颜料，起稿和铺底色阶段使用，挥发快，画面干燥后无光泽。
- 亚麻仁油：用于调和颜料，增加流动性，干燥后形成有光泽的漆膜。在深入刻画阶段使用。
- 上光油：作品完全干透（通常数月后）使用，用于统一画面光泽，保护画面。
画笔的选择：
- 猪鬃笔：弹性好，适合厚涂、塑造，能留下明显的笔触。
- 狼毫/合成毛笔：柔软，适合晕染、描绘细腻的皮肤过渡。
- 扇形笔：适合揉擦、制造柔和的过渡效果。
画布底子：
- 人体写生建议使用半吸油底或全吸油底。吸油底能迅速吸收颜料中的油分，使颜色干得快，且干后无光，便于反复修改和覆盖。油性过大的底子（如胶粉底）容易打滑，不利于塑造。
结语
人体写生是一场修行，它不仅磨练技术，更磨练心性。在面对复杂的人体结构和微妙的色彩变化时，保持耐心和热情至关重要。希望这份课程安排解析与常见问题指南，能为你的油画学习之路提供清晰的指引和实质性的帮助。记住，每一笔下去，都是对生命的观察与致敬。